"Глобус" приглашает на X Международный Рождественский фестиваль!

С 1 по 19 декабря 2013 года состоится юбилейный XМеждународный Рождественский фестиваль искусств - самый крупный международный форум культуры за Уралом.

Организаторы X Международного Рождественского фестиваля искусств: правительство Новосибирской области, министерство культуры Российской Федерации, министерство культуры Новосибирской области, Новосибирский академический молодежный театр «Глобус», Новосибирская государственная филармония.

Рождество - удивительный праздник, устраняющий преграды между представителями любых народов и стран. Он создает уникальную атмосферу, в которой способен происходить диалог культур. Во всем мире в этот период проводится множество карнавалов, ярмарок, представлений. Однако в современной России эта ниша долгое время оставалась свободна. И Новосибирск, общепризнанный центр Сибири, а географически и центр страны, открыл на своей территории новый фестиваль, основная идея которого — подарить людям встречи с подлинными образцами современного российского и зарубежного искусства под эгидой лучших традиций Рождества.

Фестиваль впервые состоялся в декабре 1995 года по инициативе Новосибирского академического молодежного театра «Глобус». С тех пор культурный форум без конкурсной основы (организаторы сознательно решили уйти от этого атрибута фестивалей и создать чистый праздник искусства) проводится один раз в два года. Его основой стала широкая программа, включающая разнообразные виды искусства: драму, музыку, танец, живопись, прикладное творчество. Фестиваль объединяет задачи духовного познания, получения эстетической радости, обогащения театральной мысли, плодотворного профессионального и мировоззренческого обмена идеями. За годы своего существования Рождественский форум укрепил статус международного и обрел постоянных участников и поклонников в разных странах.

С течением времени концепция фестиваля видоизменяется, значительно расширяются его границы. В 2003 году впервые фестиваль состоялся не только в Новосибирске, но и в районах Новосибирской области, с тех пор областная программа стала неотъемлемой частью МРФИ. С каждым фестивалем растет количество его участников — творческих коллективов Новосибирска.

Программа XМеждународного Рождественского фестиваля искусств включает в себя:

·гастроли российских и зарубежных профессиональных творческих коллективов и исполнителей (драматическая, музыкальная программы) в Новосибирске и Новосибирской области;

·показ достижений профессиональных творческих коллективов Новосибирска на своих стационарных площадках;

·гастроли профессиональных творческих коллективов Новосибирска в районах Новосибирской области;

·организацию выставочной деятельности в Новосибирске и Новосибирской области;

·творческие встречи ведущих актеров, режиссеров, музыкантов России и зарубежья с творческой интеллигенцией, представителями СМИ, студентами учебных заведений города;

·приглашение представителей ведущих средств массовой информации Москвы, Санкт-Петербурга, Сибири для популяризации творческих достижений Новосибирска;

·проект «Лучшие пьесы „Любимовки-2013“ в Новосибирске».

Торжественное открытие X МРФИ в Новосибирске состоится 1 декабря в Государственном концертном зале имени А. М. Каца (Красный проспект, 18). Начало в 19.00. Церемония закрытия X МРФИ в Новосибирске состоится 19 декабря в Государственном концертном зале имени А. М. Каца. В программе — выступление камерного оркестра Новосибирской государственной филармонии, солист — Борис Березовский, фортепиано. Начало в 19.00.

ДРАМАТИЧЕСКАЯ ПРОГРАММА Х МРФИ

3, 4 ДЕКАБРЯ Театр «Глобус» Начало в 19.00	РОССИЙСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ТЕАТР «САТИРИКОН» имени АРКАДИЯ РАЙКИНА «КОНСТАНТИН РАЙКИН. ВЕЧЕР С ДОСТОЕВСКИМ» / Ф. Достоевский сценическое переложение повести «Записки из подполья» Режиссер Валерий Фокин 12+
6, 7 ДЕКАБРЯ Театр «Глобус» Начало в 19.00	НОВЫЙ РИЖСКИЙ ТЕАТР (ЛАТВИЯ) «СОНЯ» /Т. Толстая Режиссер Алвис Херманис16+
9 ДЕКАБРЯ Камерный зал филармонии Начало в 19.00	ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ТЕАТР КУКОЛ имени С. В. ОБРАЗЦОВА «СТАРЫЙ СЕНЬОР И…» импровизации на тему произведений Г. Г. Маркеса Режиссер Виктор Никоненко12+
9 ДЕКАБРЯ Театр кукол Начало в 13.00 Начало в 15.00	ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ТЕАТР КУКОЛ имени С. В. ОБРАЗЦОВА «СНЕГОВИК» /Г. Х. Андерсен памяти Н. Шишкина Режиссер Борис Константинов6+
10 ДЕКАБРЯ Дом ученых СО РАН Начало в 19.00 11 ДЕКАБРЯ ДКЖ Начало в 19.00	ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ТЕАТР КУКОЛ имени С. В. ОБРАЗЦОВА «НЕОБЫКНОВЕННЫЙ КОНЦЕРТ» /С. Образцов, А. Бонди пародийно-сатирическое представление в 2-х отделениях Режиссеры Сергей Образцов, Семен Самодур12+
11, 12 ДЕКАБРЯ Театр «Глобус» Начало в 19.00	МОСКОВСКИЙ ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТР имени М. Н. ЕРМОЛОВОЙ МЕЖДУНАРОДНОЕ ТЕАТРАЛЬНОЕ АГЕНТСТВО «АРТ-ПАРТНЕР XXI» «ПОЛЕТЫ С АНГЕЛОМ. ШАГАЛ»/ З. Сагалов Режиссер Сергей Юрский 16+
Театр «Глобус», малая сцена 13 ДЕКАБРЯ Начало в 18.00 14 ДЕКАБРЯ Начало в 15.00 Начало в 18.00	САМАРСКИЙ ТЕАТР ЮНОГО ЗРИТЕЛЯ «САМАРТ» «ПРИВЕТ, РЭЙ!» проект М. Бартенева, О. Лоевского и М. Рамлёзе памяти Рэя Нусселяйна, друга и учителя спектакль для детей от семи лет и их родителей Режиссер Анатолий Праудин6+
14, 15 ДЕКАБРЯ Театр «Глобус» Начало в 18.00	МОСКОВСКИЙ ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТР имени А. С. ПУШКИНА «ДОБРЫЙ ЧЕЛОВЕК ИЗ СЕЗУАНА»/Б. Брехт пьеса-парабола Режиссер Юрий Бутусов16+
17 ДЕКАБРЯ Театр «Красный факел» Начало в 15.00 Начало в 19.00	РОССИЙСКИЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ МОЛОДЕЖНЫЙ ТЕАТР «НИЧЬЯ ДЛИТСЯ МГНОВЕНИЕ» /И. Мерас Режиссер Миндаугас Карбаускис 18+

В рамках Международного Рождественского фестиваля искусств театр «Глобус» на базе новосибирского отделения СТД с 11 по 14 декабря проводит проект «Лучшие пьесы „Любимовки-2013“ в Новосибирске». Фестиваль молодой драматургии «Любимовка» — это независимый некоммерческий коллективный проект российских драматургов, основанный в 1990 году. За годы своего существования он стал брендом, широко известным в театральных кругах. Благодаря фестивалю театры страны расширили и обогатили свой репертуар драматургией, говорящей с публикой на актуальные темы современным языком. Фестиваль стал местом открытия новых имен талантливых русскоязычных драматургов. Задача новосибирского проекта — представить публике пьесы 2013 года, прозвучавшие в рамках московских читок и получившие наибольший отклик слушателей. Также будут выбраны и презентованы две пьесы новосибирских авторов. Московские кураторы проведут лекции и дискуссионный клуб, расширяющие поле знаний новосибирского зрителя о современном театральном процессе.

В проекте примут участие театроведы Анна Банасюкевич и Оксана Кушляева, а также двое режиссеров из Москвы, хорошо зарекомендовавшие себя в московских читках. К ним присоединятся два режиссера из сибирского региона, которые подготовят читку двух пьес сибирских драматургов. Пьесы сибирских драматургов будут отобраны совместно с Товариществом сибирских драматургов «Драм-Сиб». Исполнителями станут артисты театров города и студенты Новосибирского театрального института. Читки будут подготовлены за двухдневный репетиционный период и презентованы публике в последующую пару дней. Каждая читка будет вынесена на обсуждение дискуссионного клуба, в который войдут театроведы, режиссеры, драматурги из Москвы и Новосибирска, а также независимые зрители. Организаторам важно, чтобы этот проект побудил профессионалов к творческому диалогу между собой, а также дал старт к началу эмоциональной, интеллектуальной и духовной коммуникации между пришедшими в театр людьми.

Программа X Международного Рождественского фестиваля искусств в Новосибирской области будет традиционно насыщенной и разнообразной и включит в себя гастроли профессиональных творческих коллективов Новосибирска; организацию выставочных экспозиций и массовых мероприятий, которые пройдут во всех без исключения районах области. В программе примут участие районные творческие коллективы. Торжественные церемонии открытия и закрытия областной программы пройдут в нескольких районах — зрителей ждет большой праздничный концерт мастеров искусств и творческих коллективов Новосибирска «Рождественский звездопад».

Продолжая добрую традицию знакомства жителей региона с лучшими спектаклями России, в Новосибирской области будут гастролировать приглашенные театральные коллективы — Государственный академический Центральный театр кукол имени С. В. Образцова покажет в Краснообске спектакль «Снеговик» Г. Х. Андерсена, а Самарский театр юного зрителя «СамАрт» со спектаклем «Привет, Рэй!» выступит в Кольцово.

12 декабря состоится Единый день XМеждународного Рожественского фестиваля искусств в Новосибирской области — центральная часть фестивальной программы, когда все творческие коллективы Новосибирска осуществят выезд в районы области одновременно. Это позволит создать общую атмосферу праздника искусства, которая не только распространит светлые идеи Рождества и поспособствует духовному обогащению жителей всех без исключения районов, но и заложит основы формирования единого культурного пространства в области.

_____________________________________________________________________________

Продажа билетов на драматическую программу фестиваля начнется

1 октября 2013 года.

Приобрести билеты на драматическую программу фестиваля можно:

·В кассе театра «Глобус» (ул. Каменская, 1).

·В Городских зрелищных кассах:

Офис ГЗК (ул. Октябрьская, 42, оф. 313а);

Магазин «Сорока», ул. Б. Хмельницкого, 38; ул. Громова, 16; ул. Титова, 15; Красный проспект, 2/1; Морской проспект, 10; ул. Ленина, 6/1 (г. Бердск);

ЦУМ (пр. Димитрова, 5);

ТЦ «Мегас» (ул. Ипподромская, 46);

ДК железнодорожников (ул. Челюскинцев, 11);

ДК «Прогресс» (Красный проспект, 167).

·Через официальный сайт театра «Глобус» www.globus-nsk.ru.

·Заказав билет по электронной почте: bilet@globus-nsk.ru.

·Через менеджера по реализации билетов в вашем районе города с доставкой (информация о контактах на сайте www.globus-nsk.ru).

В кассах театра «Красный факел», театра кукол, камерного зала филармонии, ДКЖ, Дома ученых СО РАН будут продаваться билеты на спектакли, идущие на этих площадках.

Справки по телефонам: (383) 223−66−84, 223−88−41.

ДРАМАТИЧЕСКАЯ ПРОГРАММА

Х МЕЖДУНАРОДНОГО РОЖДЕСТВЕНСКОГО

ФЕСТИВАЛЯ ИСКУССТВ

В НОВОСИБИРСКЕ

РОССИЙСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ТЕАТР «САТИРИКОН»

имени АРКАДИЯ РАЙКИНА

Федор Достоевский

«КОНСТАНТИН РАЙКИН. ВЕЧЕР С ДОСТОЕВСКИМ»

сценическое переложение повести «Записки из подполья»

3, 4 декабря — Театр «Глобус», нач. в 19.0012+

О театре

Российский государственный театр «Сатирикон» имени Аркадия Райкина имеет большую и примечательную историю, связанную с именем своего основателя Аркадия Исааковича Райкина. Прародителем театра является основанный в 1939 году Ленинградский театр эстрады и миниатюр, получивший известность как театр Райкина. В 1982 году театр переехал в Москву, став Государственным театром миниатюр. В 1987 году театр получает новое название — на афише появляется Государственный театр «Сатирикон», в 1992 году театр получает свое нынешнее название.

После ухода из жизни Аркадия Райкина в декабре 1987 года закончилась целая глава не только в истории его театра, но и в истории сценического искусства. Эстафету принимаетнародный артист России Константин Райкин. Став художественным руководителем театра, он ищет для него новое лицо, постепенно формируя полноценный драматический репертуар. Самые нашумевшие спектакли разных лет — «Служанки» Ж. Жене в постановке Романа Виктюка, «Великолепный рогоносец» Ф. Кроммелинка в режиссуре Петра Фоменко, «Превращение» по Ф. Кафке Валерия Фокина (совместно с Центром им. Вс. Мейерхольда), «Трехгрошовая опера» Б. Брехта в постановке Владимира Машкова, «Гамлет» У. Шекспира (режиссер Роберт Стуруа), «Контрабас» П. Зюскинда в режиссуре Елены Невежиной, «Ричард III» по пьесе У. Шекспира Юрия Бутусова, «Косметика врага» А. Нотомба (режиссер Роман Козак), «Король Лир» У. Шекспира, «Чайка» А. Чехова в постановке Юрия Бутусова и многие другие.

Театр обладает уникальной труппой, которой подвластны различные жанры. За последние годы в театре сыграны Шекспир, Мольер, Ростан, Чехов, Кундера, Мердок и т. д. Спектакли театра являются неоднократными лауреатами престижных театральных премий, в том числе Национальной премии «Золотая Маска».

Валерий Фокин о Константине Райкине

Ему присуща врожденная артистичность, склонность к лицедейству, трансформации, перевоплощению. Далеко не каждый артист способен так легко не просто менять маски и обличия, а, как говорится, перепрыгивать из одного качество в другое. …наряду с внешней трансформацией Господь наградил его талантом очень серьезного внутреннего проживания. То есть талантом актера очень убедительной психологической внутренней школы. Если представить себе, что он может быть лишен всех пластических формальных проявлений, что фигурально выражаясь, ему связали руки и ноги, он все равно сыграет свою роль на уровне абсолютного психологического проникновения в суть характера, в суть явления. Он глазами сыграет все… Не случайно его любимый автор — Достоевский. Райкин может дойти и доходил в своих лучших ролях до такой высокой температуры и мог так исполнить внутреннюю импульсивную, лихорадочную партитуру, как может себе позволить только богатейший, уникально тренированный актерский организм. Далеко не каждый артист способен сыграть Достоевского как это делает он — на таком градусе актерской температуры.

Спектакль — номинант Национальной театральной премии «Золотая Маска-2012»: «Лучший спектакль в драме, большая форма», «Лучшая мужская роль» (Константин Райкин).

Спектакль делали:

Валерий Фокин

Александр Боровский

Александр Бакши

Анатолий Кузнецов

Сергей Лебедев

Людмила Бакши

Владимир Зимин

Андрей Макаров

Юрий Фаинкин

Надежда Клинцова

Театр благодарит Марию Карпову, Ирину Сурикову и Николая Пигарева за помощь в создании видеопроекции.

В роли Подпольного народный артист России Константин Райкин

В спектакле участвуют:

Екатерина Луковская

Ася Соршнева

Екатерина Спицына

Алексей Соколов

Владимир Голоухов

Кирилл Калачев

Премьера спектакля состоялась 24 сентября 2010 года.

Продолжительность спектакля — 1 час 30 минут.

Пресса о спектакле

Не знаю, что больше потрясает в исполнении Константина Райкина — бесстрашие, с которым он заглядывает внутрь себя, или виртуозное мастерство, позволяющее ему не поминутно даже, а ежесекундно меняться местами со своим персонажем. Быть внутри него и смотреть на него со стороны. Не мной замечено, что исповедальное поведение всегда есть «сознание вслух». А всякое сознание, по утверждению героя, всегда болезнь. Двоиться — «это большая мука, но в то же время и большое наслаждение…». Вот это-то мучительное наслаждение, где оба чувства соревнуются на равных, захватывающе передает артист.

Спектакль «Константин Райкин. Вечер с Достоевским» делится на три части. Прелюдия — разогрев для публики: расслабьтесь, будет не страшно, вы же знаете, какой я смешной, поприкалываюсь. Уже прикалываюсь — пародирую собственные юбилейные торжества и себя Актер Актерыча, важного и знаменитого… На мгновение разверзается отверстие в стене, и перед нами уже персонаж. Так когда-то любил менять личины его папа, похоже, даже такой пиджак в искорку у него был. До встречи с Лизой он наслаждается извержениями своего ума, бесконечно вырастая в своем сознании. Чем больше юродствует, тем монументальнее становится на стене его тень. Испытание попыткой любить в каком-то смысле вернет героя к реальности. И проекция скукожится: «Тень, знай свое место!»

Одна из лучших книг о Достоевском называется «Открытость бездне». Так можно было бы озаглавить и этот спектакль.

Мария Седых, «Итоги»

Перед нами не инсценировка «Записок из подполья» и даже не моноспектакль. Это бенефис актера Константина Райкина, это его творческий вечер, мастер-класс и одновременно — суровый экзамен, который, пожалуй, не выдержал бы никакой другой артист. Представьте: огромная сцена «Сатирикона» наглухо закрыта светло-коричневой панельной стеной. Между нею и зрителями — узкая полоса авансцены, на которой актер должен себя чувствовать словно приговоренный к расстрелу под прицелом тысячи глаз. Негде укрыться, никто не поможет. Но вскоре Райкин поворачивает ситуацию на 180 градусов. И вот уже публика сидит притихшая, вжавшись в кресла под огнем его яростного монолога. С тысячным залом актер играет как кошка с мышкой: то позволит расслабиться, непринужденно пошутит, то выкинет что-нибудь эдакое и смеется над реакцией ошалевших зрителей… Райкин имеет полное право устанавливать свои правила игры и лишать зрителей привычного комфорта, потому что к себе самому он относится еще требовательнее и беспощаднее…

Герои Достоевского, предельно одинокие и индивидуалистичные, всегда сражаются с внутренними демонами. Вот и в постановке Валерия Фокина внешний мир становится лишь теневой проекцией на широкоформатном экране. Здесь тени живут своей собственной, фантастической жизнью, отделяются от хозяев, вырастают до невиданных размеров, множатся и исчезают. Реальность призрачна, условна, обманчива. И единственное, чему можно верить, — горячечному крику живой души, которая пытается познать самое себя.

Марина Шимадина, «Известия»

Важнее всего в спектакле, способном вырасти в шедевр, — огромность внутренней реальности. Вот это почти никогда уже не встречается на сцене: пылающий на наших глазах уголь — боль духа, корчащаяся в муках душа. Райкин здесь проводник тока; от него белые искры летят в зал, и мы понимаем, что такое пропустить через себя Достоевского.

«Вечер с Достоевским» — испытание не только актерской формы. Здесь встреча лицом к лицу с чем-то большим, чем успех, игра, актерство. И режиссер, и артист ставят себе барьеры все выше и сдают самим себе экзамен все сложнее. Восемьдесят минут лабораторного испытания человеческих качеств — опыт, изменяющий лицо героя, — и, будем надеяться, зрителя.

Марина Токарева, «Новая газета»

Константин Райкин появляется на сцене в сегодняшнем костюме, с букетом цветов и с томиком «Записок…» в руках. При полном свете в зрительном зале он начинает читать книгу, потом просит себе стол и стул, вазу для цветов, переговаривается с осветителями, потом зовет музыкантов. Ныряет в открывшуюся в стене дверь и выскакивает из нее уже немножко другим. «Мне 40», — говорит он от лица Подпольного. «Мне 60», — сразу же перебивает самого себя. То гримасничает, то подпрыгивает, то победоносно оглядывает зал, закинув ногу на ногу.

Поминает насекомое — и делает вращательные движения ногами, в которых опытные зрители сразу узнают Грегора Замзу из фокинского же «Превращения», где Константин Райкин сыграл одну из лучших своих ролей. Сегодня художественный руководитель «Сатирикона» находится не просто в потрясающей физической форме: нелепо было бы сказать, что перед нами на сцене человек пенсионного возраста. Сегодня один из главных актеров русского театра, кажется, открыт для эксперимента над самим собой и для разного рода «превращений» еще больше, чем прежде. И в этом состоит выраженный «Вечером с Достоевским» его вызов сегодняшней режиссуре, которая все меньше и меньше ищет творческие неудобства.

Роман Должанский, «Коммерсантъ»

НОВЫЙ РИЖСКИЙ ТЕАТР (ЛАТВИЯ)

Татьяна Толстая

«СОНЯ»

6, 7 декабря — Театр «Глобус», нач. в 19.0016+

О театре

Новый Рижский театр (НРТ), основанный в 1992 году, — один из самых ярких коллективов Европы. Это профессиональный репертуарный театр, предлагающий своим зрителям умный, увлекательный и необычный репертуар — современный взгляд на классику, оригинальную латышскую драматургию и работы зарубежных авторов. Это элитарное искусство, которое по содержанию и форме отвечает современным требованиям образованного, мыслящего зрителя.

НРТ располагает двумя стационарными сценическими площадками: Большой зал на 470 зрительских мест и Малый зал, рассчитанный на 100 зрителей. Дополнительно ведется поиск и приспосабливание все новых сценических помещений, как в театре, так и за его пределами. Сегодня НРТ предлагает зрителям три новых сценических площадки — Камерный зал (100 мест), Репетиционный зал (40 мест) и зал «Минута» (80 мест); также для представлений используются помещения Музея музыки и театра.

Художественным руководителем НРТ с 1992 по 1997 год являлся Юрис Рийниекс. С самого создания НРТ зарекомендовал себя как профессиональный, художественно яркий и современный театр, открытый для всего нового. НРТ — первый государственный театр в Латвии, который активно занимается привлечением зарубежных режиссеров и актеров. Наряду с режиссерами НРТ Юрисом Рийниексом, Алвисом Херманисом и Марой Кимеле здесь работали Петерис Крылов, Арнис Озолс, Маркус Цонер (Швейцария), Ганс Бертилсон (Швеция), Кристина Вусс. В 1997 году художественным руководителем НРТ становится его ведущий режиссер Алвис Херманис, который способствует росту театра на пути к творческой индивидуальности.

Театр гастролирует по всему миру — от Южной Африки до Кореи. Коллектив побывал в России, Польше, Литве, Эстонии, Словении, Финляндии, Германии, Австрии, США, Канаде, Франции, Бельгии, Нидерландах, Италии. Театр является лауреатом премии «Золотая Маска» за лучший зарубежный спектакль сезона-2006 («Долгая жизнь»).

О спектакле

«Соня» — это импрессионистская миниатюра, отражающая судьбу одинокой странной женщины, с которой окружающие разыгрывают отнюдь не добрую шутку, и тем не менее этот розыгрыш становится самым большим счастьем ее жизни. Это рассказ о женщине с «лошадиным лицом», но с большим сердцем. Героиня Татьяны Толстой объединяет в себе много противоречий: грубоватую внешность и утонченный внутренний мир, тяжелую жизнь и хрупкую душу. И в ходе работы над спектаклем Алвис Херманис пришел к неординарному решению — доверить эту роль не одной из актрис, а актеру-мужчине. После того, как увидел, как тот изображает собственную мать…

Рассказ Толстой, на первый взгляд, не самый подходящий для театра материал, однако он открыл зрителям особую грань современной русской литературы — наблюдательное и метафоричное повествование, одновременно ироничное и сочувствующее, печальное и полное гротеска. Творчество Толстой характеризует удивительное знание человеческой природы, свойственные ему амплитуда и глубина чувств позволяют искренне сопереживать еще одной версии столь популярного в мировой литературе рассказа о «маленьком человеке».

Один из самых популярных спектаклей в мире. Объехал с гастролями более 20 стран, стал участником множества фестивалей, среди которых фестиваль «Евро-сцена» в Лейпциге (Германия), фестиваль Transameriques в Монреале (Канада), «Осенний фестиваль» в Мадриде (Испания), Международный театральный фестиваль La Viedei Festival в Риме (Италия), фестивали «Сезон Станиславского», «Золотая Маска», NETв Москве (Россия) и др.

Постановочная группа:

Режиссер — Алвис Херманис

Художник — Кристине Юрьяне

Световое оформление — Артурс Скуиньш-Мейиньш

Звуковое оформление — Андрис Яранс

Роли исполняют:

Гундар Аболиньш

Евгений Исаев

Премьера спектакля состоялась 11 апреля 2006 года.

Продолжительность спектакля — 1 час 40 минут.

Пресса о спектакле

«Жил человек, и нет его, одно имя осталось — Соня». Не уверена, что услышав эту первую произнесенную со сцены фразу, публика поняла, что она — предвестница трагедии. Ведь предшествовавшие слову десять минут зал со смехом наблюдает разыгрываемую на сцене пантомиму: в квартиру, полную мельчайших бытовых деталей, проникают два вора, здоровых мужика с чулками на головах. Брать-то в квартире нечего, беднота страшная — так хоть варенья поесть, полистать альбом старых фотографий, порыться в шкафу… Из шкафа извлекается ситцевое допотопное платье, толстые чулки. Во все это облекается один из действующих лиц, находящийся словно в полусне. (Зал хохочет, воздавая по заслугам потрясающей мимике актеров.)

И только тут действие по-настоящему начинается. На сцене двое: рассказчик (актер Евгений Исаев, из-за которого — или благодаря которому — да из уважения к оригинальному тексту спектакль и идет по-русски) и Соня (актер Гундар Аболиньш, который за все 1 час 40 минут спектакля не произносит ни слова)…

Прекрасный, тонкий, умный, душераздирающий в своей простоте спектакль, во время которого смеешься и плачешь, как и должно быть в настоящем Театре.

Надежда Сикорская, «Наша газета»

Действие происходит в комнате, где собраны подлинные вещи советского быта 30−40-х годов (подозреваю, что рижские блошиные рынки — это настоящая страсть режиссера), с пластинок звучат голоса Леонида Утесова и Изабеллы Юрьевой. Толстая женщина с наведенными бровями и нарумяненными щеками, в нелепом платье, украшает кремом настоящий торт, колдует над настоящей курицей, которая прямо на глазах зрителей отправляется в настоящую печь… Пока у зала текут слюни, фарс оборачивается трагедией. Соню жестоко разыграли приятели, придумав ей несуществующего воздыхателя, и именно ему она понесет через весь блокадный Ленинград чудом сохранившуюся баночку сока. Вот ведь клоунада, розыгрыш — а в финале, когда Соня погибает, зал плачет навзрыд. Изощренные театральные приемы — и шквал эмоций, как в мелодраме.

Нина Агишева, «Огонек»

Представьте, двое молодых современных мужчин пытаются воссоздать на сцене чисто женскую атмосферу и делают это так естественно, органично и без всяких задних мыслей, что начинаешь верить в ту всемогущую силу театра, которую он в последние десятилетия изрядно подрастерял…

Гундарс Аболиньш совершает на сцене трудно объяснимое перевоплощение. В кино случаи переодеваний — дежавю, а «Тутси» Дастина Хофмана стала почти классикой. Но у Хофмана задача была легче, он играл мужчину, переодетого в женщину, но осознающего свою мужественность. Хофман ломал комедию, у Херманиса на сцене — мелодрама. Аболиньш играет Соню и только ее, такой, какой ее придумала автор, да еще немую. Соню-дуру с невообразимыми бантами и мушкой на щеке, передвигающуюся как кляча, и вместе с тем обладающую какой-то странной пластичностью. На лице героини с бычьими глазами и отвисшей челюстью можно прочесть столько чувств и неуловимых волнений души, что эмоции хочешь — не хочешь начинают захлестывать…

Театр Херманиса, конечно же, театр деталей. Сцена напичкана мелочами, воссоздающими советский быт середины прошлого века. И все эти детали работают, театральная условность куда-то исчезает и на ее месте воцаряется полная настоящность…

Как заставить современного зрителя жить тем, что происходит на сцене? Херманис сумел.

Елена Якунина, «Русский очевидец»

«Соня» — русская проза, переложенная на язык сценического бурлеска. В спектаклях Херманиса, как правило, не говорят о переживаниях, а зачастую и вообще не говорят, они рождают переживания в зрителях, основываясь именно на достоверности деталей: довоенные шифоньеры, салфеточки, курица, запеченная на банке, чулки на резинках… Херманис и актеры делают свои наблюдения за чужими людьми поводом для остроумных лицедейских метаморфоз — но метаморфозы эти, как бы гротескно они ни выглядели со стороны, всегда исполнены прямо-таки родственной нежности.

Елена Ковальская, «Афиша»

ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ ЦЕНТРАЛЬНЫЙ

ТЕАТР КУКОЛ имени С. В. ОБРАЗЦОВА

«СТАРЫЙ СЕНЬОР И…»

импровизации на тему произведений Габриэля Гарсии Маркеса

9 декабря - Камерный зал филармонии, нач. в 19.0012+

О театре

Государственный академический Центральный театр кукол имени С. В. Образцова - мировой кукольный центр с двумя зданиями на Садовом кольце, двумя сценами, уникальной специализированной библиотекой и одним из крупнейших в мире Музеев театральных кукол.

Театр был создан по инициативе Дома художественного воспитания детей 16 сентября 1931 года. С первого дня создания его возглавлял выдающийся деятель русского искусства — Сергей Владимирович Образцов. Творческое «кредо» нового театра, помимо воспитательно-педагогических задач, включало следующий пункт: «ГЦТК должен стать театром-лабораторией, движущим вперед развитие кукольного жанра». Настоящей премьерой молодого театра 17 апреля 1932 года стал агитационный спектакль «Джим и Доллар» по пьесе, специально написанной А. Глобой для труппы. Так театр начал поиски своего репертуара, создавая оригинальные конструкции кукол и сценического оформления, свободно варьируя стилистику спектаклей — от агитационного спектакля до народной сказки. Пронизанный карнавально-сказочной атмосферой спектакль «По щучьему велению», поставленный в 1936 году, — с уникальной конструкцией круглой ширмы — многие театроведы восприняли «главным кукольным спектаклем ХХ века», применяющим мейерхольдовские открытия.

За несколько лет театр становится настолько популярным, что в 1937 году правительство решает предоставить в распоряжение труппы помещение в центре Москвы на площади Маяковского. Театр к тому времени не только пополнил свои штаты, но и создал собственный музей, впоследствии ставший уникальной сокровищницей кукол.
В 1940 году театр ставит «Волшебную лампу Аладдина» — самый красивый спектакль театра, завораживающий волшебством чудесных превращений, восхитительной красочностью и выразительностью грациозных кукол (художник Борис Тузлуков).
Впоследствии Сергей Образцов назовет эти три спектакля «Чайками» своего кукольного театра. «Традиционным путем» — в результате эксперимента — возник в 1946 году самый знаменитый шедевр Мастера кукольных дел, занесенный в книгу рекордов Гиннеса, — сатирическое обозрение «Необыкновенный концерт».

С 1956 года театр Образцова — постоянный участник международных кукольных фестивалей, проводимых под эгидой УНИМА. Под непосредственным влиянием гастролей ГЦТК были созданы государственные кукольные театры в ряде стран — Польше, Болгарии, Венгрии, Чехии… В 1970 году театр переезжает в новое здание на Садовом кольце — архитектурный комплекс, являющийся эталоном для всех стационарных театров кукол мира (сложный раздвижной занавес, трансформирующиеся стены зала, позволяющие «окружить» зрителя куклами, «бегающий» звук). Великолепные металлические часы, украшающие фасад, стали «визитной карточкой» театра. Каждый час открываются поочередно дверцы в домиках-ящичках вокруг циферблата часов и двенадцать животных — сказочных персонажей — приветствуют под музыку «Во саду ли, в огороде» в аранжировке Никиты Богословского собравшихся перед театром. Все вместе животные появляются лишь дважды — в полдень и в полночь. Авторы часов — скульпторы Дмитрий Шаховской и Павел Шимес, механизм придумал Вениамин Кальмансон.

В сентябре 2013 года на пост главного режиссера театра назначен Борис Константинов.

О спектакле

Спектакль — это импровизации на тему произведений Маркеса. Художник Виктор Никоненко, известный своими работами в кукольных театрах страны и в кино, здесь выступает в роли автора идеи спектакля, художника и режиссера-дебютанта. Истории-притчи впервые рассказаны языком театра кукол, который в чем-то даже сложнее драматического театра, ибо актер должен выразить свои мысли, чувства, эмоции через куклу, предмет, объект. Актер становится партнером куклы, благодаря которому оживает ее «тело». И, одновременно, ее душой — ведь она у них одна на двоих. Куклы в спектакле Виктора Никоненко — марионетки, из которых «вынули» нити. Нити заменили руки актеров. Куклы сделаны очень реалистично, в человеческий рост, но автор не пытается скрыть их «кукольную» природу: все сочленения и суставы марионетки обнажены. Взаимодействию куклы и актера помогает «черный кабинет», дающий возможность кинематографического «крупного плана», свет избирательно дает то «лицо» куклы, то пластику рук актера, то фрагмент мизансцены. Так театр кукол превращает магическую реальность мира Маркеса в зримое волшебство. Все три новеллы идут чередой мини-спектаклей, первую из которых можно причислить к жанру мелодрамы, вторая — сатирическая, третья решена как лирический концерт.

Постановочная группа:

Идея, постановка и сценография лауреата Национальной театральной премии «Золотая Маска» Виктора Никоненко

Пьеса для театра кукол Виктора Никоненко, лауреата Национальной театральной Премии «Золотая Маска» Сергея Плотова, Нины Моновой

Композиторы — лауреат международных конкурсов Алексей Козлов,
Николай Шамшин

Режиссер по пластике — Владимир Ананьев

Художник-технолог — Александр Лигусов

Ассистент режиссера-постановщика — заслуженный артист России Дмитрий Чернов

Соло на саксофоне — лауреат международных конкурсов Иван Дыма

Вокал — Моника Санторо (актриса Московского театра «Мастерская
П. Н. Фоменко»)

Премьера спектакля состоялась 24 ноября 2012 года.

Продолжительность спектакля 1 час 10 минут.

Пресса о спектакле

…поразительную прозу великого колумбийского писателя не просто перевести на «театральный» язык. Она — притчеобразна. Она — тягучая, плотная, страстная и вечная, как южная ночь, наполненная зноем и звездами. Но Театру им. С. Образцова, художнику и режиссеру Виктору Никоненко удалось найти волшебный ключик, отпирающий Маркеса для театра. Этим ключиком оказались куклы. Спектакль — три небольших новеллы о старом сеньоре с крыльями, старой сеньоре и детях, они объединены сладостью одиночества и обреченностью надежды. На сцене новеллы оказываются даже не сюжетами — а образами, прекрасными видениями. Уникальные куклы, созданные Никоненко, поражают своей печальной отстраненностью и завораживают каждым движением. Им вторит соло на саксофоне, сочиненное Алексеем Козловым. «Старый сеньор и…» — поэтический спектакль о печали, счастье и надежде. Никоненко «перевел» прозу Маркеса в поэзию. И стих неожиданно пробивается к самому сердцу, удивляя своей точностью и ясностью.

Ольга Богомолова, «Психология»

ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ ЦЕНТРАЛЬНЫЙ

ТЕАТР КУКОЛ имени С. В. ОБРАЗЦОВА

Памяти Николая Шишкина

Ганс Христиан Андерсен

«СНЕГОВИК»

9 декабря — Театр кукол, нач. в 13.00, 15.006+

О спектакле

Посвящается автору сценического замысла — режиссеру Николаю Шишкину.

Камерный спектакль по сказке Андерсена «Снеговик» создан режиссером Борисом Константиновым и художником Евгенией Шахотько. Зрители, пришедшие в музей театральных кукол, видят, как под руками мастера-кукольника оживает зимний пейзаж. Зажегся свет в окнах затейливого домика среди заснеженных деревьев. Мальчишки понеслись гурьбой по ледяной глади озера, весело скатились на санках по снежной горке. Так — детскими зимними забавами начнется задушевная история о том, как наступила зима, и мальчишки слепили снеговика. И он открыл для себя небо, солнце, луну, людей, дома. Нашел друга — старого пса-ворчуна. Научился мечтать о любви. И пламенно влюбился… В кухонную печку…

Евгения Шахотько придумала изысканный зимний пейзаж. Домик около озера, вдали силуэты городских домов, шпиль ратуши, мельница. Пейзаж — кукольный, и во время спектакля он «оживает» — ледяные узоры покрывают гладь озера, украшают окна домов. Птицы порхают среди деревьев. Домик поворачивается вокруг оси — и мы видим внутри малыша в люльке, даму, играющую на пианино, читающего газету господина, кухню с ключницей. И печку, освещающую кухню уютным теплым светом. Круг небосвода поворачивается: луна и звезды сменяют солнце, ночь и день сменяют друг друга. Вслед за зимой приходит весна. И по глади озера поплывут маленькие бумажные кораблики… На свет он появился при радостных «ура» мальчишек, под звон бубенчиков, скрип полозьев и щелканье извозчичьих кнутов. Шел снег. Была зима…

Спектакль — лауреат Национальной театральной премии «Золотая Маска-2013″ в номинациях „Лучшая работа художника“(Евгения Шахотько), „Лучшая работа актера“ (Андрей Нечаев). Номинации на Премию — „Лучший спектакль в театре кукол“, „Лучшая работа режиссера“.

Постановочная группа:

Перевод Анны Ганзен

Режиссер — лауреат Национальной театральной премии „Золотая Маска“ Борис Константинов

Художник — лауреат Национальной театральной премии „Золотая Маска“ Евгения Шахотько

Сказку рассказывает — лауреат Национальной театральной премии „Золотая Маска“ артист Андрей Нечаев

Премьера спектакля состоялась 28 сентября 2011 года.

Продолжительность спектакля — 40 минут.

Пресса о спектакле

…"Снеговик» по Андерсену — театр им. С. В. Образцова представил готовые декорации: кукольную вселенную в натуральную величину. Автор этого чуда — Евгения Шахотько, учившаяся у Валерия Левенталя, представляет редкое сегодня живописное направление сценографии. Чувство цвета, вкус, стиль и почтение к тайне у нее почти такие же, как в иллюстрациях старинных фолиантов.

Елена Губайдуллина, «Известия»

…один из лучших фестивальных спектаклей «Образцовфеста» — поэтически одухотворенная притча для детей «Снеговик».

Владимир Шеховцев, «Театр Чудес»

Спектакль «Снеговик» по сказке Андерсена, который в театре Образцова поставил режиссер Борис Константинов вместе с художницей Евгенией Шахотько, идет в театральном музее и является частью экспозиции. Это тоже история любви, на этот раз — Снеговика и Печки, где языком наивного театра, просто и доступно переданы чувства и эмоции понятные даже малышам. Спектакль интерактивен, дети не просто смотрят, но и участвуют в происходящем, помогая героям разобраться в своих отношениях.

Мария Ганиянц, Weekend РИА «Новости»

ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ ЦЕНТРАЛЬНЫЙ

ТЕАТР КУКОЛ имени С. В. ОБРАЗЦОВА

Самый знаменитый кукольный спектакль ХХ века!

Сергей Образцов, Алексей Бонди

«НЕОБЫКНОВЕННЫЙ КОНЦЕРТ»

пародийно-сатирическое представление в 2-х отделениях

10 декабря — Дом ученых СО РАН, нач. в 19.00

11 декабря - ДКЖ, нач. в 19.0012+

О спектакле

«Необыкновенный концерт» — это комическое кукольное ревю, в котором куклы пародируют артистов самых разнообразных жанров: тут певцы и певицы, танцоры и музыканты, цирковые дрессировщики и фокусники. Спектакль объехал сотни городов нашей страны и более сорока иностранных государств. Как спектакль-рекордсмен по праву занесен в Книгу рекордов Гиннесса, поскольку его посмотрело самое большое число зрителей в мире. Пользуется огромной зрительской любовью и в наши дни. Ведет «Необыкновенный концерт» кукольный конферансье — Эдуард Апломбов. Он обладает даром мгновенно вызывать улыбку зрителей. Обожает сплошные аплодисменты. Уникальный полиглот: без задержки отпускает шутки и каламбуры на двадцати четырех языках мира, в том числе на таких как фарси и хинди. Неподражаем и неотразим! Не принимайте его слов на веру!

Постановочная группа:

Авторы — Сергей Образцов, Алексей Бонди, Зиновий Паперный, Зиновий Гердт, Владимир Кусов

Режиссеры-постановщики — народный артист СССР Сергей Образцов, народный артист СССР Семен Самодур

Режиссер — народный артист России Владимир Кусов

Художники-постановщики — Валентин Андриевич, Наталья Шнайдер

Композиторы — Юрий Саульский, Лев Солин, Григорий Теплицкий, Илья Шахов, Илья Ягодин, Игорь Якушенко

Премьера спектакля состоялась 19 июня 1946 года.

Премьера второй редакции — 26 марта 1968 года.

Продолжительность спектакля — 2 часа.

Пресса о спектакле

Рядовые советские эстрадные номера породили кукольную сатиру: на сцену выходит нагловатый конферансье Эдуард Апломбов и голосом Зиновия Гердта объявляет участников «Необыкновенного концерта»: тут и чечеточники братья Баклушины, и субтильная французская певичка Мари Жуть, и Вольдемар Кыш, руководящий квинтетом, который играет на сливных бачках, чайниках и прочих предметах хозинвентаря. Последние сейчас видятся не столько пародией на авангардные музыкальные течения, сколько предвосхищением популярных ныне представлений вроде Stomp.

«Афиша»

МОСКОВСКИЙ ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТР

имени М. Н. ЕРМОЛОВОЙ

МЕЖДУНАРОДНОЕ ТЕАТРАЛЬНОЕ АГЕНТСТВО

«АРТ-ПАРТНЕР XXI»

Зиновий Сагалов

«ПОЛЕТЫ С АНГЕЛОМ. ШАГАЛ»

11, 12 декабря - Театр «Глобус», нач. в 19.0016+

О театре

Годом основания Московского драматического театра имени М. Н. Ермоловой считается 1925 год, когда выпускники студии при Малом театре под руководством Елены Лешковской, Сергея Айдарова и Николая Костромского организуют передвижной театр. Свои сценические опыты они решают связать с именем великой актрисы Марии Ермоловой, на что было дано ее благословение. В 1933 году коллектив Театра им. М. Н. Ермоловой объединяется с актерами Театра-студии им. А. Луначарского, организованной Максом Терешковичем, в 1937 году — со Студией п/р Николая Хмелева. Руководителем Театра Ермоловой становится народный артист СССР Николай Хмелев. В 1944 году театр возглавляет народный артист РСФСР Андрей Лобанов.

В 1970—1985 годах театр возглавляет ученик Лобанова Владимир Андреев.
На ермоловской сцене впервые играются спектакли по произведениям А. Вампилова: «Старший сын», «Прошлым летом в Чулимске», «Стечение обстоятельств», «Утиная охота». В афише рядом с именами Э. де Филиппо («Суббота, воскресенье, понедельник»), М. Булгакова («Бег») появляются имена молодых авторов: Д. Валеева, Э. Володарского, О. Кучкиной. В 1985—1991 годах театр возглавляет народный артист России Валерий Фокин. В 1989 году коллектив театра делится на две труппы: Театр им. М. Н. Ермоловой и Международный театральный Центр им. М. Н. Ермоловой. В 1990 году труппу театра вновь возглавляет народный артист СССР Владимир Андреев. В 1996 году постановка Андреева «Мария Стюарт» Ф. Шиллера знаменует собой символическое объединение двух трупп: на ермоловской сцене впервые за семь лет вместе играли артисты Театрального Центра и Театра Ермоловой.

В этот период на ермоловской сцене идут спектакли по произведениям русских и зарубежных классиков, современных авторов: «Исповедь начинающего» А. Вампилова, «Двенадцатая ночь» У. Шекспира, «Невидимки» и «Перекресток» Л. Зорина, «Александр Пушкин» В. Безрукова, «Бешеные деньги» А. Островского, «Железная воля» Н. Лескова, «Свадьба Кречинского» А. Сухово-Кобылина, «Женитьба» Н. Гоголя, «Возлюбленная нами…» И. Бунина, «Танго» С. Мрожека, «День космонавтики» Е. Унгарда, «Хозяйка анкеты» В. Дурненкова и другие. В каждом — замечательные актерские работы, в созданных образах отражается жизнь человеческого духа, неизменного во все времена.

В 2012 году народный артист России Олег Меньшиков становится художественным руководителем Ермоловского театра. Впервые в театральной жизни столицы народный артист СССР В. Андреев передал свои полномочия актеру и режиссеру О. Меньшикову. В настоящее время Андреев является Президентом театра. Новый художественный руководитель, новый директор, новый фирменный стиль, новый репертуар. Все это — обновленный Московский драматический театр имени М. Н. Ермоловой. Преемственность поколений — это то, чем всегда был силен театр. Главным в творчестве ермоловцев остается самый обычный человек со всеми его слабостями и пороками, с его конфликтами, страданиями и счастьем. Остается то, о чем всегда рассказывал театр: добро и зло, любовь и ненависть, власть и судьба.

Об агентстве

Международное театральное агентство «Арт-Партнер XXI» основано в 1996 году. Представляет собой образец успешной российской антрепризы. За годы существования агентством было поставлено около 30 спектаклей такими известными режиссерами, как Роман Козак, Нина Чусова, Роман Виктюк, Роман Самгин, Константин Богомолов, Дмитрий Бертман, Андрей Житинкин, Виктор Шамиров. Некоторые спектакли, став бестселлерами, не сходят с театральных площадок уже более 10 лет.

«Арт-Партнер XXI» дает в Москве по 14−20 спектаклей в месяц, а также организует гастроли по городам России, СНГ, Европы и США.

В спектаклях агентства в разное время были заняты известные российские актеры театра и кино: Любовь Полищук, Татьяна Васильева, Наталья Гундарева, Армен Джигарханян, Сергей Безруков, Сергей Маковецкий, Валерий Гаркалин, Елена Яковлева, Игорь Костолевский, Михаил Филиппов, Мария Аронова, Борис Щербаков, Сергей Юрский, Александр Феклистов, Михаил Полицеймако, Евгения Добровольская, Юлия Меньшова, Федор Добронравов, Ольга Будина и другие. С большинством актеров сотрудничество продолжается и сегодня.

Особым направлением деятельности является международное сотрудничество в области культуры и продюсерская поддержка разнообразных проектов.

Основатель агентства - театральный продюсер Леонид Роберман - по праву именуется «отцом» современной российской антрепризы.

О спектакле

Жизнь Марка Шагала, его творчество, его скитания, его любовь — это неповторимый сюжет, рассказчиком которого выступит Сергей Юрский. Великий артист вживается в великого художника и воскрешает все, что с ним связано: красавицу и музу Беллу, любимую маму, родной Витебск и богемный Париж, а также друзей, подруг и героев его полотен.

В жизни Юрского не бывает проходных проектов. Все, к чему прикасается Артист, становится по-настоящему значимым и сразу же обращает на себя внимание. Юрский долго вынашивал идею этой постановки, свидетельством особого отношения к которой является полный отказ актера от всех проектов на период создания спектакля. Кстати, Юрский играет в нем 9 ролей!

Огромная роль в повествовании отдана музыке. Оркестр на сцене встраивается, подыгрывает, ведет, сопровождает… Еврейские мотивы в исполнении скрипки, гитары, контрабаса, ударных и аккордеона создают полифоническую звуковую картину в духе полотен Шагала.

Постановочная группа:

Режиссер — народный артист России Сергей Юрский

Художник-сценограф — Мария Рыбасова

Художник по костюмам — Анастасия Нефедова

Музыкальный руководитель — Александр Чевский

Режиссер по пластике — Леонид Тимцуник

Действующие лица и исполнители:

Шагал, Шмерц, Сандрар, Дядя Исроэл, Бадхен, Луначарский — народный артист России Сергей Юрский

Мама — народная артистка России Наталья Тенякова

Лушка, «Сожженная картина» — заслуженная артистка России Людмила Дребнева

Ангел, Бэла, Антуанетта — Анна Гарнова

Человек с трубкой — Александр Аронин

Оркестр: Павел Демидов (ударные и перкуссия), Алексей Полищук (альт), Алексей Скипин (аккордеон), Лев Успенский (гитара), Михаил Хохлов (контрабас)

Премьера спектакля состоялась в мае 2013 года.

Продолжительность спектакля — 2 часа 30 минут с антрактом.

Пресса о спектакле

…режиссеру Юрскому очень важно завладеть публикой сразу. Иначе расслабленная, пришедшая из буфета, она многое прослушает, не уловит жанр. Он не может ее упустить, потому огонь принимает на себя актер Юрский. В спектакле у него множество ролей — от поэта Сандрара до министра Луначарского. Но главная роль — Марк Шагал. Гений играет гения, великий рассказывает про великого? Не играет и не рассказывает. Собеседуют. Один художник, проживающий долгую жизнь в искусстве, с другим, дожившим почти до ста лет. Не надо сопоставлять масштабы, но можно почувствовать близость. Отсюда откровение и пронзительность финала, когда в ответ на заданный в начале вопрос герой взбирается по лестнице туда, где свободно и счастливо летали персонажи его знаменитых полотен, и замирает, воздев руки к небесам.

Собственно полет, фантазия, грезы или видения и есть жанр этого спектакля. Способ игры и чувствования перпендикулярны моде и мейнстриму. Вместо ненормативной лексики — стих и соответствующий ему ритм постановки. Вместо жестокости — поэзия. Не потому, что не чувствуют горечи своего века. А потому, что скрипач на крыше не перестал играть, и для кого-то все еще звучит его музыка.

Мария Седых, «Итоги»

В пьесе всего два действующих лица — Художник и Ангел. В гамме спектакля куда больше красок. Палитру держит в руках режиссер и исполнитель главной роли Сергей Юрский. Хотя исполнитель по отношению к Юрскому слово неверное. Он давно уже творец, о какой бы роли не шла речь. Не Шагал на сцене, но Актер, ведущий диалог «как художник с художником». Впрочем, Сергей Юрский — актер многоликий, и в спектакле «не одну играет роль». Он и Шагал от мала до велика, и старый фотограф Шмерц, под началом которого художник учился дорисовывать и ретушировать фотопортреты, и парижский поэт Сандрар, и суетливый сват — бадхен, и набожный дядя Исроэл, и даже Луначарский, назвавший Шагала «Гофманом околовитебских трущоб». Многоликость формальна — ни притворства, но и не перевоплощения. На сцене каждое мгновение — Юрский, обращающийся от имени своих персонажей не к залу, к себе. На сцене — творческий поиск в режиме реального времени. Зрителей подобный прием завораживает.

Эмилия Деменцова, «Эхо Москвы»

Я начал ставить спектакли в 1969 году и поставил их не много, потому что всегда играл в своих спектаклях. Это значит, что моя режиссерская работа не кончалась с премьерой. Набралось сильно за тысячу представлений, и поэтому самих постановок было пятнадцать. В разных театрах. И вот шестнадцатый спектакль — в моем-то возрасте, когда я от многих ролей уже отказываюсь как раз по причине возраста. Но пришла пьеса, которая меня не просто привлекла, а я почувствовал то, что я чувствовал всегда, когда делал спектакли. Что эту пьесу должен поставить я, потому что никто другой ее так поставить не может, как мне видится. Мы можем предъявить нечто новое по содержанию, по форме и по театральному мышлению. И главная особенность этой постановки — это новое произведение, во всех смыслах. И как пьеса, и как спектакль. Это определенный иной стиль, иное наполнение. Да и авторское письмо мне показалось абсолютно оригинальным.

Задачи для актеров здесь необычны, потому что — как и во многих других спектаклях моих — актеры здесь играют по несколько ролей. Это есть обязательная трансформация, которая происходит не от бедности, а потому что это необходимо по внутреннему содержанию пьесы. Мне самому приходилось не раз в одиночку играть пьесы, иногда большие — и Островского, и Шекспира, целый ряд авторов, я и произведения превращал в спектакли, так было с разными авторами. Но здесь нагрузка, скажу без преувеличения, просто невероятная — и для актеров, и для меня — по затрате физических сил. Кроме того, это и огромная психологическая нагрузка.

Сергей Юрский, интервью «АиФ»

САМАРСКИЙ ТЕАТР ЮНОГО ЗРИТЕЛЯ «САМАРТ»

«ПРИВЕТ, РЭЙ!»

проект М. Бартенева, О. Лоевского и М. Рамлёзе памяти Рэя Нусселяйна, друга и учителя

спектакль для детей от семи лет и их родителей

13 декабря - Театр «Глобус», малая сцена, нач. в 18.006+

14 декабря - Театр «Глобус», малая сцена, нач. в 15.00, 18.00

О театре

Самарский театр юного зрителя «СамАрт» — театр необычный, театр, работы которого интересны не только детям, но и взрослым, не только жителям города Самары (не самого маленького города в России), но и зрителям многих российских городов. В репертуаре театра наряду с детскими спектаклями «Счастливый Ганс», «Жил-был Геракл» М. Бартенева, «Азбука Льва Толстого», «Сказки Чуковского», «Красная шапочка» Ж. Помра присутствуют постановки, рассчитанные и на взрослую аудиторию: «Бумбараш"(по мотивам ранних произведений А. Гайдара), «Мамаша Кураж» Б. Брехта, «Очень простая история» М. Ладо, «Вино из одуванчиков» Р. Бредбери, «Василий Теркин» А. Твардовского, «Валентин и Валентина» М. Рощина, «Валентинов день» И. Вырыпаева и др.

14 декабря 2010 года театр отпраздновал свой юбилей — 80 лет со дня основания. За последние десятилетия «СамАрт» достиг больших творческих высот. Театр трижды выдвигался на присвоение высшей театральной награды страны «Золотая Маска». В 1998 году этой награды был удостоен спектакль «Бумбараш», а в 2003 году спектакль «Мамаша Кураж» Б. Брехта. И это огромный успех провинциального театра.

В 1998 году театр был участником престижного Международного театрального фестиваля в Авиньоне (Франция). Театр показывал свои спектакли в Германии, Голландии, Венгрии. В 2002 году «СамАрт» был удостоен чести представлять Россию на 14 Всемирном Конгрессе АССИТЕЖ в Южной Корее (Сеул). «СамАрт» был единственным театром из России. Корейские зрители увидели спектакль «Чу-Ха-Ха» по сказкам К. Чуковского. В мае 2003 года в рамках проведения Дней культуры России в Германии наш театр показал спектакль по пьесе Б. Брехта «Мамаша Кураж» в г. Берлине.

Театр является постоянным участником популярных в стране театральных фестивалей: «Большая перемена» в Москве, «Реальный театр» в Екатеринбурге, «Минифест» в Ростове-на-Дону, «Арлекин» в Санкт-Петербурге и др. Театр «СамАрт"совместно с Министерством культуры Самарской области и Союзом театральных деятелей России в 2012 году уже в десятый раз провел Всероссийский фестиваль-лабораторию театров для детей «Золотая репка».

Руководство художественной программой театра осуществляет режиссер с мировым именем народный артист Латвии Адольф Шапиро (Москва). Спектакли в «СамАрте» ставят Анатолий Праудин, Александр Кузин, Георгий Цхвирава, Михаил Кисляров, молодые и талантливые режиссеры и художники.

О спектакле

Однажды в нашем холодном зимнем городе появился Рэй. В домашнем халате, в тапочках, в круглых очках и под зонтиком. И сразу в городе стало теплее. И кое-где даже начал таять снег… Рэй знал очень много разных историй. И рассказывал их взрослым и детям. Он говорил на каком-то специальном языке, не всегда понятном взрослым, но зато дети его понимали легко. Кто он был? Сказочник? Артист? Волшебник? Он ушел так быстро и неожиданно, что мы не успели его об этом спросить. Но скорее всего — волшебник. Ведь он умел делать маленькие чудеса.

Рэй ушел, а его истории остались с нами. Добрые, мудрые, трогательные истории о самом-самом главном: об улыбках и слезинках, о свободе и неволе, о памяти, хранящейся в старой коробке из-под сигар.

Признайтесь, ведь вы же не знали, что слезинки бывают разные? Бывают велосипедные слезинки, которые в свою очередь подразделяются на большие и малые в зависимости от того, с какого велосипеда вы упали. Бывают газированные слезинки, слезинки мужские и женские… И улыбки бывают разные — об этом вы тоже узнаете, придя на спектакль. А еще узнаете, почему так важно, чтобы бабушка непременно научила вас свистеть. И почему французская птица не захотела петь, сидя в клетке…

Этот спектакль посвящается замечательному датскому артисту, режиссеру и педагогу Рэю Нусселяйну.

Спектакль активно гастролирует. Принимал участие в театральных фестивалях Дании, Екатеринбурга, Москвы, Нового Уренгоя, Красноярска и др.

Постановочная группа:

Режиссер-постановщик — лауреат Государственной премии России Анатолий Праудин (Санкт-Петербург)

Художник-постановщик — Ксения Бурланкова (Санкт-Петербург)

Ассистент режиссера — заслуженная артистка России Ольга Агапова

В спектакле заняты:

заслуженная артистка России Ольга Агапова

заслуженная артистка России Маргарита Шилова

В спектакле использована музыка PINK FLOYD.

Премьера спектакля состоялась 30 октября 2010 года.

Продолжительность спектакля — 1 час 10 минут.

Пресса о спектакле

Истории в этом спектакле нанизываются, как бусинки. Как в детстве, здесь одинаково важно все — и смерть бабушки, и недостижимо прекрасная коробка из-под сигар, и рассказ об улыбках, и важные людисигары в шляпах. И, конечно, история о французской птице-глупице, которая так и не научилась петь в клетке. И убила своего птенца, поняв, что он никогда не сможет летать. История эта занимает важное место в спектакле. Она дается «на вырост» и детям и взрослым. Она печальная и может показаться даже жестокой. Но главное в том, как она рассказана. Без нажима и без нотации.

Никто никогда не говорит с детьми о том, что такое слезы. Хотя именно в детстве мы плачем часто и по очень серьезным причинам. Актрисы рассказывают о разных слезинках — велосипедных, газированных, больничных, о слезах от обиды и от радости. Целая классификация слезинок, которую хочется продолжить вместе с ребенком. И уходят они со сцены тихо, послав привет Рэю и нацепив на желтый зонтик и слезинку, и улыбку.

Эти маленькие, но чудесные театральные превращения, когда из пальца получается славная очкастая мордашка в панамке, а из мохнатого клочка — птенец, когда в картонных прорезях дерева поет птица, увлекают своей простотой и доступностью. Безусловно, кажущейся. Но, во-первых, хочется немедленно начать играть и сочинять истории при помощи собственного воображения и домашнего скарба. И во-вторых, так важно, что тебя не подавляет и не оглушает роскошь «театра детской радости», до которой никогда не дотянуться ни тебе, ни ребенку. А до этого тихого, как будто домашнего театра дотянуться можно. По крайней мере хочется попробовать. Конечно, этот спектакль не столько для детей, сколько для внимательных талантливых родителей, которые пришли вместе со своими детьми. После спектакля они о чем-то поговорят, о чем-то спросят друг друга. И вместе что-то поймут про жизнь.

Татьяна Тихоновец, «Петербургский театральный журнал»

Артисты импровизируют, филигранно работая с предметами, пробуждают фантазию маленьких зрителей, показывая им, как богат окружающий мир и как можно сотворить нечто из ничего. Одна за другой вырисовываются истории — не сказочные, а как бы взятые из реальной жизни. Но, как и в реальной нашей жизни, в них не так уж много веселого и благополучного… «Привет, Рэй!» — спектакль мудрый и грустный. Он рассказывает о том, какими непростыми бывают чувства и о том, как необходимо, но при этом так трудно бывает их выразить… Непростой спектакль затрагивает серьезные темы, которые не принято поднимать в детских спектаклях.

…А заканчивается все широкой улыбкой, сделанной… из картона. Ведь, как говорится в заключение спектакля, «ничего не бывает навсегда, но это не значит, что нужно прятать свою улыбку».

Маргарита Прасковьина, «Самарская газета»

…Так просто, одновременно нежно и сурово Праудин и две прекрасные артистки рассказывают о непростых чувствах и эмоциях и о том, как трудно и как нужно бывает их выразить. И так же просто мастер изобретательной театральности Праудин знакомит детей с тем, что такое настоящий театр, рожденный из ничего. В «СамАрте» поставили очень сильный и тонкий спектакль. Сходите с детьми.

Ксения Аитова, «Волжская коммуна»

…Львиную долю успеха представления определила изумительная актерская игра. Актрисы очень убедительно существовали на сцене и искренно без сюсюканья общались с залом, порой даже задавая вопросы…

Илья Поляков, «regionsamara.ru»

МОСКОВСКИЙ ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТР имени А. С. ПУШКИНА

Бертольт Брехт

«ДОБРЫЙ ЧЕЛОВЕК ИЗ СЕЗУАНА»

пьеса-парабола

14, 15 декабря - Театр «Глобус», нач. в 18.0016+

О театре

Год рождения Московского драматического театра имени А. С. Пушкина - 1950-й. Его первым художественным руководителем был назначен Василий Ванин, известный и талантливый актер театра и кино, народный артист СССР. 21 октября 1950 года состоялась премьера первого спектакля «Из искры» Ш. Дадиани. С 1952 по 1953 годы пост главного режиссера театра занимал народный артист СССР Борис Бабочкин. С 1953 по 1960 годы театром руководил народный артист СССР Иосиф Туманов. Этапными в жизни театра стали спектакли «Мария Тюдор» В. Гюго, «Деревья умирают стоя» А. Касоны, «Трасса» И. Дворецкого режиссера Туманова, «Игрок» Ф. Достоевского, «Как важно быть серьезным» О. Уайльда, «Изгнание блудного беса», «Доброй ночи, Патриция!» режиссера Николая Петрова. В них были заняты гениальные Фаина Раневская, Ольга Викландт, Борис Чирков, Александр Шатов, МихаилНазванов, Марина Кузнецова, Николай Прокопович.

В 1960 году в театр пришел народный артист РоссииБорис Равенских. С его именем связана эпоха высокой романтики в истории театра.С 1971 по 1978 годы театром руководил народный артист РСФСР, лауреат Государственной премии СССР Борис Толмазов. С 1983 по 1987 годы главным режиссером был Борис Морозов, народный артист России, заслуженный деятель искусств Р. Ф. За пять лет Морозову удалось вернуть Театру имени Пушкина популярность. С 1987 по 2000 годы театр возглавлял народный артист РСФСР Юрий Еремин. В разные года на сцене театра блистали Леонид Марков, Лилия Гриценко, Афанасий Кочетков, Валерий Носик, Георгий Бурков, Валерий Баринов. Сегодня в труппе — Вера Алентова, Игорь Бочкин, Виктор Вержбицкий, Александра Урсуляк, Виктория Исакова.

В апреле 2001 года художественным руководителем Театра им. Пушкина стал заслуженный артист РФ, заслуженный деятель искусств Р. Ф. Роман Козак. Его основная политика — приглашение режиссеров высокого уровня. Всего Козак поставил в Театре имени Пушкина 15 спектаклей, среди них был жаркий и страстный «Джан» по прозе Платонова, «Девичник club» — лекарство от печали, «гвоздь сезона» — «Оffиc», современная притча «Саранча». Последний спектакль — «Бешеные деньги» А. Островского, чьи пьесы Роман Ефимович считал «высшей театральной математикой». «Театр имени Пушкина — место культурных событий» — такой была творческая программа Козака. Он оставался верен ей все 9 лет, вплоть до своего ухода из жизни. В июне 2010 года художественным руководителем Театра имени А. С. Пушкина был назначен заслуженный артист России Евгений Писарев.

О спектакле

Пьеса Бертольта Брехта «Добрый человек из Сезуана», давно ставшая культовой для театрального мира и заново переведенная для театра имени Пушкина Егором Перегудовым, вновь обрела острое актуальное звучание в постановке одного из самых ярких современных режиссеров — Юрия Бутусова.

Это история о проститутке Шен Те, неожиданно обласканной богами. Но, чем больше добра делала Шен Те, тем больше бед сыпалось на ее голову. Пока не появился вдруг ее двоюродной брат, жестокосердный Шуи Та…

Спектакль полон чудесной музыки Пауля Дессау в исполнении ансамбля солистов «Чистая музыка» под руководством музыканта и композитора Игоря Горского, а зонги звучат в живом исполнении артистов.

Постановочная группа:

Автор — БЕРТОЛЬТ БРЕХТ

Оригинальная музыка — ПАУЛЬ ДЕССАУ

Правообладатель — SUHRKAMPVERLAGGMBH & CO

Перевод — Егор Перегудов

Режиссер-постановщик — Юрий Бутусов

Сценография и костюмы — Александр Шишкин

Художник по свету — Александр Сиваев

Музыкальный руководитель, аранжировщик, композитор — Игорь Горский

Ансамбль солистов «Чистая музыка»

Зонги П. Дессау на стихи Б. Брехта звучат на немецком языке

Педагог-репетитор — Ксения Башмет

Хореограф — Николай Реутов

В спектакле использована музыка: DanCanDans, Sakamoto, MarkKnopfler, К. Дебюсси

Действующие лица и исполнители:

Боги — Анастасия Лебедева

Шен Те, Шуи Та — Александра Урсуляк

Ванг, продавец воды — Александр Матросов

Янг Сун, безработный летчик — Александр Арсентьев

Госпожа Янг, его мать — Вера Воронкова

Парикмахер Шу Фу — Андрей Сухов

Домовладелица Ми Цзю — Ирина Петрова

Госпожа Шин, вдова — Наталья Рева-Рядинская

Столяр Линь То — Алексей Дадонов

Полицейский — Алексей Рахманов

Женщина — Анна Бегунова

Родственник — Иван Литвиненко

Премьера спектакля состоялась 1 февраля 2013 года.

Продолжительность спектакля — 3 часа 20 минут с антрактом.

Пресса о спектакле

Бутусов ставит именно притчу о мире, утратившем системы координат, и главное -в том, как это сделано. Как выглядит, звучит и дышит. Художник Александр Шишкин обнажает мрачные внутренности сценической коробки. Приглушает свет, выхватывая из мрака лишь отдельные детали и отдельных героев, отчего на происходящее ложится отсвет вселенской ночлежки, нашего горьковского «На дне». Проецирует на экран огромные портреты милых детишек-близнецов, еще не ведающих о том, как им придется поделить в этом мире функции добра и зла. «Сажает» на сцене голые сухие деревья, не дающие зелени и тени…

В спектакле возникают две сильнейшие актерские работы. Одна — Александры Урсуляк, худенькой, гуттаперчевой, с хрипловатым и одновременно нежным голосом. Актриса, виртуозно владеющая искусством превращения, в секунду меняющая женскую пластику на мужскую, умудряется вдохнуть в эпический «скелет» повествования и трагическую мощь переживаний. Играет буквально на разрыв, но нигде не пережимает. Психологически убедительна, но не разменивается на мелочи — мазок крупный, едва ли не плакатный, экспрессивный, но все глубоко одушевлено. Чудо, что такое!

А еще силен Александр Матросов в роли продавца воды Ванга. Начинает он в жесткой, отстраненной эпической манере, но постепенно его водонос превращается в реального несчастного слабоумного. Только такой наивный и беспомощный индивидуум и может в этом мире кому-то сострадать. Темпераментный и очень искренний актер задает спектаклю щемящую ноту.

Дилемма — оскотиниться вконец или, собрав остатки потрепанных нравственных сил, все же остаться человеком? на бога надеяться или самому не оплошать? — встает острым ребром и пробирает сегодняшнего зрителя до мурашек. Притча Брехта прорастает во все поры современного российского общества. Без всяких претензий на «остросовременный политический спектакль с прозрачными аналогиями» Бутусов задает со сцены театра те самые вопросы, ответы на которые для каждого из нас мучительны, но рано или поздно неизбежны.

Наталия Каминская, «Петербургский театральный журнал»

Режиссура Бутусова все чаще требует для описания музыкальных терминов. Синкопы противоречий, взрывающие мерный ритм прописных истин. Пиццикато дождя — лучшая аранжировка любви. Фортиссимо ярости. Аллегро времени, не позволяющее перевести дух.

Сцена обнажена до последнего кирпича и последнего закоулка. На кирпичной стене то и дело, как тайные письмена, проступают фигуры и лица: падающий навзничь человек, мальчишка, рабочие в загоне, но чаще — девочки, с обидой и подозрением глядящие нам в глаза (художник Александр Шишкин).

Три бога в спектакле Бутусова превратились в одну онемевшую девчонку в драной одежде (Анастасия Лебедева). Бродить по земле и постигать жизнь «им» почти невмоготу. Спектакль Бутусова кричит о том, как трудно жить с даром творца, создающего, рождающего, как уязвим в этом мире тот, кто посмел полюбить и держать ответ за другого. И конечно, ставя Брехта не столько как мастера социальных афоризмов и алогизмов, сколько как поэта, говорящего о любви, режиссер во многом зависел от исполнительницы главной роли.

Ольга Фукс, «Ведомости»

В пору оглупления и оподления страны потребовался Бертольт Брехт, то есть ум и логика. В разгул цинизма понадобился брехтовский жесткий кодекс. В пору двойных стандартов — его нравственная нетерпимость и брезгливость. Еще пару лет назад одна из наших лучших «брехтоведов» Ольга Федянина вздыхала, что пьесы Брехта «стоят на полке, а у нас нет ключа, чтобы их завести. Заперт дорогой рояль». К появившимся в этом сезоне спектаклям Миндаугаса Карбаускиса и Юрия Бутусова можно предъявлять разные претензии, но про них не скажешь: «Мимо Брехта». Именно что «в точку»…

Срифмовавшиеся и окликнувшие друг друга брехтовские постановки четко обозначили слом, который переживает наше общество в целом и каждый человек по отдельности. Стать гадом сейчас куда проще, чем даже пару лет назад. Но, как писал Честертон, «стремиться быть хорошим — это гораздо более рискованная и смелая авантюра, чем пуститься на парусной лодчонке в кругосветное плавание»… С размазанным макияжем, в сползающих с огромного живота мужских штанах Шен Те сорванным голосом просит богов о помощи. Но они уходят и оставляют ее одну. И это одиночество в момент выбора, по Брехту, — единственная и главная привилегия свободной человеческой воли.

Ольга Игошина, «Новые известия»

…главный нерв и мотор этой постановки — Александра Урсуляк. Красивая девушка, игравшая все больше лирических героинь, вдруг открыла в себе мощный, бесстрашный трагический дар. Наш язык уже засорен определениями, ставшими штампами от слишком частого и не к месту употребления: «играть как в последний раз», «на разрыв аорты», «до полной гибели всерьез» и т. д. Но к игре Александры Урсуляк других эпитетов не подберешь. Вопреки брехтовскому принципу отчуждения она погружается в роль полностью, всем нутром, не щадит себя, рвет связки и сердца зрителей, обращаясь, конечно, не к их разуму, как завещал драматург, а к их чувствам. Она не отстраняется от образа и не пытается взглянуть на свою героиню со стороны, но от этого становится только страшнее. В спектакле Бутусова нет финального брехтовского зонга: «Плохой конец заранее отброшен, он должен, должен, должен быть хорошим». Он заканчивается отчаянным, надрывным монологом Урсуляк, пробирающим до печенок. И ты выходишь из зала ошарашенным, потрясенным пресловутым катарсисом, но все же счастливым оттого, что в нашем театре еще возможны такие прорывы.

Марина Шимадина, «Известия»

РОССИЙСКИЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ МОЛОДЕЖНЫЙ ТЕАТР

Ицхокас Мерас

«НИЧЬЯ ДЛИТСЯ МГНОВЕНИЕ»

17 декабря - Театр «Красный факел», нач. в 15.00, 19.0018+

О театре

История Российского академического Молодежного театра (бывшего Центрального детского) начинается 13 июля 1921 года, когда в Москве в помещении кинотеатра «Арс» спектаклем «Жемчужина Адальмины» открылся первый в стране театр для детей. Тогда он назывался Московский театр для детей. Его организатором и первым руководителем стала юная Наталья Сац. В 1936 году театр был переименован в Центральный детский и в том же году он получил свое нынешнее помещение — на Театральной площади, рядом с Большим и Малым театрами.

В 1950-е годы театр возглавляла сподвижница Станиславского — Мария Кнебель. При ней в театр пришел молодой Анатолий Эфрос, раскрывший таланты начинающих драматургов Виктора Розова и Александра Хмелика. На сцене театра всю жизнь проработала популярнейшая актриса Валентина Сперантова. Специально для театра писали пьесы Сергей Михалков, Виктор Розов, Юрий Щекочихин. Здесь начинали свою профессиональную жизнь Олег Ефремов, Олег Анофриев, Геннадий Сайфулин, Лев Дуров, Ирина Муравьева, Ян Арлазоров, Сергей Шакуров, ставили спектакли Ольга Пыжова, Петр Фоменко, Георгий Товстоногов, Павел Хомский, Сергей Яшин. На этой сцене играли Евгений Дворжецкий и Игорь Нефедов.

Художественными руководителями в разное время были Л. Волков, В. Дудин, О. Пыжова, В. Кузьмин, М. Кнебель. И вот уже почти 30 лет художественным руководителем РАМТа является народный артист России, лауреат Государственной премии России, лауреат Премии Москвы Алексей Бородин.

В 1992 году театр изменил свое название и стал Российским академическим Молодежным (РАМТ).

РАМТ много экспериментирует с новыми формами, не забывая традиций школы Станиславского. Репертуар строится на литературных сказках и фольклоре, на классике, отечественной и зарубежной, и современной драматургии. Для театра чрезвычайно важна художественная искренность, высочайший уровень культуры и интеллигентности. Это позиция всего творческого коллектива РАМТа. Сегодня в афише театра можно встретить спектакли по произведениям Марка Твена и Николая Носова, Альфреда де Мюссе и Теннеси Уильямса, Алексея Арбузова и Евгения Шварца, Федора Достоевского и Антона Чехова, Эжена Ионеско и Уильяма Голдинга, Бориса Васильева и Бориса Акунина.

Труппа РАМТа по праву считается одной из лучших в Москве. Театр не раз удостаивался премий на театральных фестивалях и конкурсах. РАМТ много гастролирует по стране и за рубежом, побывал в Болгарии, Голландии, США, Канаде, Франции, Югославии, Англии, Германии, Китае, Исландии и др.

Спектакли театра неизменно вызывают огромный отклик у профессионалов и большой интерес у зрителей. РАМТ — театр аншлагов!

О спектакле

Спектакль «Ничья длится мгновение» — постановка почти неизвестного в России романа литовского писателя Ицхокаса Мераса. Режиссер Миндаугас Карбаускис продолжает собственный творческий сюжет и показывает человека в ситуации, которая меняет привычное течение жизни, заставляет сделать поступок, выбрать — восстать или смириться. Еврейское гетто в Литве. 17-летний Исаак Липман играет шахматную партию с немецким офицером, комендантом гетто Адольфом Шогером. Ставка в игре — жизнь. Исаака и всего гетто. У мальчика есть пять братьев и сестер. Есть отец Авраам Липман.
Семья Липманов, кто постарше, кто моложе — это разные характеры, разные взгляды на мир, на свое место в нем, на гетто, на способы выживания в несвободе и в предчувствии конца. Гетто — универсальный образ ограничения, насилия, жертвы. Но гетто — это еще дни, месяцы, годы жизни. Чувства, мысли, поступки проявляются здесь с исключительной силой. Любовь и дружба, рождение детей и их смерть, гордыня и милосердие, преданность и предательство, горе и бесконечное счастье каждого солнечного дня — таким полным может быть только пик бытия.

Спектакль — лауреат Премии Союза театральных деятелей РФ «Гвоздь сезона».

Постановочная группа:

Перевод — Феликс Дектор

Автор инсценировки, режиссер — Миндаугас Карбаускис

Художник — Анна Федорова

Художник по костюмам — Наталья Воинова

Композитор — Гиедрюс Пускунигис

Действующие лица и исполнители:

Шогер — Александр Гришин

Авраам Липман — Илья Исаев

Инна Липман, Лиза, Бронислава — Дарья Семенова

Рахиль Липман, Мария Блажевска, Она Климене — Нелли Уварова, Рамиля Искандер

Касриэл Липман — Александр Доронин

Исаак Липман — Дмитрий Кривощапов

Янкель — Владислав Погиба

Давид, Йонас Климас — Тарас Епифанцев

Премьера спектакля состоялась 9 февраля 2010 года.

Продолжительность спектакля — 1 час 50 минут.

Пресса о спектакле

Этот роман, в котором, кажется очевидным обращение к Ветхому Завету, к судьбе гонимого народа детей Авраама, словно дописывает страшной историей ХХ века продолжение первой книги — Бытия. Правда, библейский подтекст прозы интересует режиссера Карбаускиса в меньшей мере. Библейские ассоциации скорее подсказывают ритм ролям, вырванным из плена быта и переведенным в особое сценическое время. Прошлое, оживая как настоящее, становится тем, что называют вечным, вневременным… Карбаускис не ставит новую Библию, не ставит он и антивоенный спектакль, и гетто как знак нацистской иррациональной ненависти к еврейскому народу также не является темой этого спектакля. Гетто для режиссера — экзистенциальная территория, в которой люди при экстремальных обстоятельствах делают свой выбор. Жизнь каждого человека подобна шахматной партии, и как игрок осознанно делает ход на шахматной доске, так и у человека в самом безумном мире, окружающем его, остается право на свой ход.

Ольга Галахова, РИА «Новости»

Похоже, труппа РАМТ сразу хорошо поняла режиссера. Ее прекрасные молодые актеры, обычно склонные к более легкой, эмоциональной, размашистой игре, в спектакле Карбаускиса подобрались, стали экономнее, сдержаннее, все больше загоняя эмоции внутрь… Карбаускис был максимально деликатен, он, спасибо ему, не вывел на сцену никаких забитых нелепых чудиков, «несчастных евреев», которых играют теперь все, кому не лень, и сделал героев спектакля нормальными людьми. Он постарался максимально сбить пафос, но разве в такой истории, где одно горе наслаивается на другое и нет ни минуты роздыха для публики, можно обойтись совсем без пафоса? Многие зрители заливаются слезами буквально с первых минут спектакля. Лишь однажды они выдохнут радостно: когда для Изи, уже трижды битого железной плетью за то, что пытался пронести букет своей Эстер, все мужчины гетто отдают по одной ромашке, пронесенной за пазухой с работы. Но выдохнут лишь для того, чтобы снова захлебнуться от слез…

Дина Годер, «Время новостей»

Зрительский амфитеатр, выстроенный прямо на сцене РАМТа, обрывается шахматным залом: длинный стол с двумя рядами стульев, два шахматиста за шахматной доской, ряд демонстрационных досок с магнитными шахматами. Так мог бы начаться спектакль по роману «Защита Лужина». Но вот один надевает на рукав кожаной куртки повязку со свастикой и оказывается комендантом гетто Адольфом Шогером, а другой, с удивлением взглянув на куртку с желтой звездой, становится одним из сыновей Авраама Липмана — Исааком. Они играют в шахматы, до поры предпочитая спасительные ничьи, благодаря которым Шогер получает уроки у шахматного гения, а люди гетто — жизнь.

Спокойная, раздражающе вязкая фактура спектакля погружает публику в монотонный, не отмеченный эмоциональными всплесками ритуал нескончаемого, ежесекундного обмена… Простые и негероические мгновения выбора, цена которых оплачена жизнью. Вокруг них и движется спектакль Карбаускиса, элегантно игнорирующий скорбь и слезы. Не то чтобы им нет места в гетто, им нет места в жизни, которая и есть, по Карбаускису, гетто — неизбежная оставленность, заброшенность человека в мир, из которого ему вскоре предстоит убраться.

Алена Карась, «Российская газета»

«Ничья…» — это череда своеобразных актерско-шахматных этюдов, графически четких, пластически и звуково выстроенных режиссером и практически всегда предваряемых фразой старого Липмана — Исаева: «Авраам Липман родил дочь Инну», «Авраам Липман родил дочь Рахиль»… Меняются имена детей, и у каждого имени — своя история ухода… …режиссер категорически уводит актеров от эмоциональных «захлебываний» — в строгий рассказ, ведущийся словно бы из времени «после». А ведь на самом деле так оно и есть, и у всех нас было достаточно времени, чтобы все это осмыслить, а подобная история могла бы зазвучать с интонацией едва ли не «библейского» отстранения.

Впрочем, холодность и строгость общего тона отнюдь не исключают вкрапления в него эмоциональных и даже зрелищных моментов. Хотя слово «зрелищность» здесь, наверное, не самое уместное. Скорее, это приметы традиционной литовской метафоричности (впервые в таком изобилии представленные у Карбаускиса), когда актерским жестом, пластикой можно изобразить близость морского прибоя или тесноту больничной комнатенки, когда висящие на подставке для шахматной доски мужское, женское и детское пальто скажут о судьбе их «хозяев», как и снятая с доски фигура. Правда, словесный и визуальный ряды порой существуют параллельно, что кажется излишним. Актерам же Карбаускис доверяет играть разными фигурами, предлагая рассказать не об одной судьбе, но порой о нескольких. И, надо сказать, практически всем участникам этого спектакля удалось попасть в этот сложный, строгий, но внутренне наполненный тон.

Ирина Алпатова, «Культура»